HollywoodChicago.com ESP, En Español: ‘American Assassin,’ ‘Brad’s Status’ y ‘mother!’

CHICAGO – Cada semana, HollywoodChicago.com le traerá las criticas de las películas que hemos visto y que están saliendo esa semana, pero en español. HollywoodChicago.com ESP no sólo representa HollywoodChicago.com Espanol, sino también Esta Semana en Peliculas. Esta semana, vamos a una misión de venganza y terminamos salvando el mundo (“American Assassin”), luego nos vamos de viaje a visitar algunas universidades mientras tenemos un colapso mental (“Brad’s Status”), y luego nos transportan a una casa que significa mucho más de lo que parece (“mother!”).

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Dylan O’Brien y Shiva Nagar en ‘American Assassin’
Foto credito: Lionsgate

Rating: 2.0/5.0

Siempre se puede saber cuando una película no sólo está tratando de establecer una franquicia, sino establecer un actor como una estrella de acción. “American Assassin” trata de hacer ambas cosas con diferentes grados de éxito. Sentado a través de la película, te sientes como si lo hubieras visto antes. Reemplace a Dylan O’Brien con un tipo como Tom Cruise y cambie el escenario, y básicamente tiene una entrada en la franquicia de “Misión Imposible”, “Jason Bourne” o “Jack Ryan”.

“American Assassin” sigue un acercamiento bastante predecible que usted puede anticipar de cualquier película de la acción del midgrade. Con 4 guionistas adjuntos, se podría pensar que la película tiene esperanzas de mantener algunas sorpresas, pero en su lugar todo lo que obtienes son personajes marginalmente desarrollados, un absurdo serie de eventos y un tono que cambia más que las ubicaciones de la película. El director Michael Cuesta sabe cómo dirigir el espionaje y la acción con una filmografía que incluye películas como “Kill The Messenger” y programas de televisión como “Homeland”, pero la única diferencia es que tenía material fuerte para trabajar con esos proyectos. “American Assassin” sólo permite que nos muestre algunas secuencias de acción competentes pero no inspiradas. El problema con el guión es que no sabe cómo combinar los momentos dramáticos y cómicos, jugando algo de la comedia demasiado directa que pierde un poco de humor, y jugando el drama demasiado exagerado que se convierte en cómico.

Las fluctuaciones de los tonos tienen mucho que ver con la forma en que esta película se desarrolló narrativamente, pero las actuaciones, en su mayoría entretenidas, no ayudan en absoluto. Dylan O’Brien interpreta al personaje principal Michael Rapp con una seriedad tan grave que es difícil excitarse o incluso arraigar al personaje. Para todos sus “matices”, Rapp sólo se convierte en un personaje constantemente internamente torturado con ojos temblorosos destinados a “sutilmente” mostrar su ira. El verdadero problema con el personaje de O’Brien no es solo en lo básico que es (lo que también sucede ser el mismo del villano, Ghost, interpretado por Taylor Kitsch), pero con la facilidad con que es superado por cualquier otro personaje. En este caso, me refiero al personaje de mentor de Michael Keaton, Stan Hurley.

Keaton ofrece la única actuación en esta película que te hace sentir algo en absoluto. El comando de la pantalla y la forma en que puede inyectar la personalidad en un personaje que nunca se desarrolla realmente más allá de su arquetipo es un elemento básico importante de una estrella de acción, y O’Brien y Kitsch carecen de la gravitas necesaria para tal logro. Incluso Sanaa Lathan, que da la única otra gran actuación en la película, juega a su personaje demasiado directo para ser agradable. “American Assassin” tiene varios momentos agradables, y sirve como una película de acción pasable, predecible, pero lo único que la película podría haber asesinado es sus aspiraciones de convertirse en una franquicia.

Ben Stiller y Austin Abrams en ‘Brad’s Status’
Foto credito: Amazon Studios

Rating: 2.0/5.0

Como humanos, necesitamos tener empatía por nuestros semejantes, no sólo como una forma de sobrevivir, sino como una manera de entender y tratar de relacionarnos con ellos y sus problemas. A veces es fácil encontrar ese terreno común y establecer un punto de vista compasivo, pero otras veces es tan difícil de empatizar con alguien porque demuestran que no vale la pena su tiempo, y mucho menos la comprensión. “Brad’s Status” nos muestra ese unicornio de un personaje que es torturado por las dudas internalizadas y los temores de la mortalidad, pero al mismo tiempo no merece ninguna de su compasión.

El escritor/director Mike White nos ha demostrado que tiene experiencia en crear personajes en crisis. Ya sea trabajando en la serie de televisión “Enlightened” o escribiendo el guión de “Beatriz at Dinner”, White nos ha demostrado que entiende la emoción humana y la psique, pero incluso en “Beatriz at Dinner” se extiende sobre todo a la mentalidad de los hombres blancos. “Brad’s Status” sigue el viaje de Brad (Ben Stiller) mientras toma a su hijo, Troy (Austin Abrams), en varias visitas al campus. Aunque Brad se está moviendo de un lugar a otro, nunca se mueve más allá del interior de su cabeza. En cambio, se enfrenta a una crisis de media-edad y cerca de la fusión, mientras que una corriente interminable de la conciencia sale fuera de él y crea toda la estructura narrativa de esta película.

Escuchar cada pensamiento sin filtrar que viene de Brad nos ayuda a entender lo que está atravesando, pero nunca lo hace realmente un personaje simpático. Lo vemos cuestionando su vida, su esposa, y su éxito en comparación con sus amigos. Todo el tiempo, él está tomando sus inseguridades a cabo en su familia sin saberlo gaslighting ellos, especialmente su hijo. Las quejas de el van a ser celoso del futuro prometedor de su hijo, a no ser joven o tener suficiente éxito para dormir con chicas universitarias, a su esposa siendo tan fácil que nunca lo empujó a ser mejor, a no ser millonario a pesar de que es cómodo en la clase mediana. La película se esfuerza tanto para encontrar simpatía por este hombre en agitación, a pesar de que la película deja claro que sus problemas y preocupaciones son infundadas y ridículas. Ahí es donde el humor entra en efecto. El problema es que Brad es un personaje tan desagradable que no se puede relacionar con sus miedos porque simplemente se desprenden como la definición misma de los privilegios blancos y los problemas del primer mundo.

Puedo fácilmente desagradar al personaje de Brad, pero disfrutar de la actuación de Ben Stiller. Stiller continúa dándonos sorprendentes giros en el campo del drama, y ​​sólo parece estar cada vez más fuerte y encontrar su punto de apoyo en películas que se benefician de su gama y estilo cómico sin esfuerzo. Como Brad, él abarca perfectamente la esencia de un hombre que se descompone al pensar en su propia mortalidad. Puede que no sea el público objetivo de esta película, pero si pudiera sentir cualquier tipo de compasión por el personaje de Brad, se basaría únicamente en el rendimiento convincente de Stiller. El rendimiento de Stiller con Austin Abrams parece natural, y los momentos en los que realmente es un buen padre hacen que la película sea agradable y carismática, no por el hecho de que el personaje de Brad estaba continuamente engañando mentalmente a su esposa y estaba celoso de su futuro de su hijo. Esta película encontrará su audiencia en los hombres blancos de media-edad del mundo, pero voy a ser el primero en admitir que puedo ser demasiado joven y demasiado mexicano para ver la pelicula como nada más que molestoso.

Jennifer Lawrence y Javier Bardem en ‘mother!’
Foto credito: Paramount Pictures

Rating: 4.5/5.0

“mother!” es una de las pocas películas que no sólo gana su signo de exclamación, sino que se demuestra que se utiliza como una minimización. Escritor/Director Darren Aronofsky no es uno para alejarse de una cabalgata de visiones y una compleja/complicada estructura narrativa. Su estilo vanguardista se presta a una forma única de contar historias (sin incluir “Noah”) que se ha convertido en un elemento básico en la identificación de la obra de Aronofsky. Esta película es posiblemente su mayor obra individual desde “Black Swan”, si no toda su carrera.

“mother!” es una obra maestra visceralmente en movimiento, interpretable sin fin del autor Darren Aronofsky. Le gusta empacar sus películas con simbolismo, metáforas y otras formas de dispositivos literarios para asegurarse de que todo el mundo puede obtener algo de sus películas. “mother!” abarca la “maternidad” en múltiples formas aparte del sentido biológico obvio, que muestra a través de varios encuentros misóginos que muestran cómo los hombres maltratan a las mujeres. Con esta película, Aronofsky nos dice que los hombres no sólo dependen de las mujeres en las relaciones, sino que suelen ser unilaterales, con los hombres tomando y nunca realmente dando, tratando eventualmente a quien debe ser su pareja como más de una figura maternal allí cuida de ellos.

Aronofsky también elicita la idea de la madre como un portador de vida, tanto en el sentido biológico como como una musa para las ideas y obras de arte. Él muestra este aluvión de abuso entre Mother (Jennifer Lawrence) y Him (Javier Bardem), el artista que lucha. Ella está tratando constantemente de restaurar su casa (una metáfora para su relación), mientras que su marido, Him, pasa sus días bebiendo y invitando a extraños, como Man (Ed Harris) y Woman (Michelle Pfeiffer), en su casa , una metáfora de su relación con Mother) sin consultarla y sólo porque no encuentra a Mother suficiente para él. Las cosas caen en el caos mientras Him continúa tomando y tomando sin tener en cuenta a la Madre, y todo pasa a lo que se siente como un círculo específico y personalizado del infierno. O otra interpretación podría ser que se supone que Him es Dios, colocando a las mujeres (específicamente a Mother) en un papel servil, y haciendo que Man y Woman sean Adán y Eva, con sus dos hijos convirtiéndose en Caín y Abel. El hijo de la madre con Him está destinado a ser un tipo de Jesús de carácter, creado únicamente para ser sacrificado por otras personas. ¿O se supone que el niño representa el punto en muchas relaciones rotas donde tienen un hijo con la esperanza de arreglarlo?

Hay muchas más interpretaciones que podría enumerar, pero la película apunta a afectar a todos de manera diferente, pero la parte más importante es que es afectiva. El problema con el abarrotar tantos elementos visuales, aunque impresionante, es que el mensaje se convierte en algo azarero. ¿Es religioso? ¿Es personal y se relaciona con la creación de películas y el arte? ¿Se trata de un comentario sobre la sociedad? Definitivamente no habla sobre el tratamiento misógino de las mujeres porque Aronofsky nos muestra cómo funciona, pero no cómo terminarlo. De hecho, la película gira en torno a su ciclicidad. El mensaje más grande que no se malinterpretará en esta película es el poder en el desempeño de Jennifer Lawrence. Ella ha jugado un superhéroe y un luchador por la libertad, pero este es su personaje más fuerte hasta la fecha. Es refrescante ver su regreso a sus raíces dramáticas y fuera de las películas de franquicia (y David O’Russell) en lo que fácilmente se puede llamar sus mejores actuaciones desde “Winter’s Bone”. Cada actor (como Javier Bardem, Ed Harris y Domhnall Gleeson) da una actuación en movimiento, pero las actrices son las que realmente hicieron esta película, especialmente Michelle Pfeiffer que nos recuerda que 4 años es demasiado tiempo para ir sin ella en una película. “mother!” Demostrará significar cosas diferentes para diferentes personas, pero provee un banquete para los sentidos que necesitan ser experimentados. Es un refrescante regreso a la forma de Aronofsky después de “Noah”, y una acción tan refrescante de un estudio principal como Paramount.

[23]	By JON ESPINO [24] Film & Video Game Critic HollywoodChicago.com jon@hollywoodchicago.com [23]